Considerații etice privind utilizarea materialelor în artă – Damien Hirst

Materialele pe care artiștii le folosesc pentru a-și crea arta de-a lungul istoriei au contribuit în general la valoarea operei. Folosirea argintului sau fildeșului sau a pietrelor prețioase sau a vopselei realizate dintr-un mineral rar sau numeroase alte materiale care sunt costisitoare și greu de obținut a crescut literalmente valoarea monetară a lucrării produse. Dacă opera de artă a fost realizată pentru un lider politic sau religios, valoarea culturală a operei a crescut deoarece era asociată și deținută de cei cu statut înalt în societate. Pe de altă parte, utilizarea materialelor în contradicție cu valorile sociale ridică întrebări în mintea spectatorului. De exemplu, fildeșul a fost și este încă un material de dorit pentru sculptură, dar comerțul cu fildeș de elefant în Statele Unite este ilegal, deoarece elefanții africani sunt acum o specie pe cale de dispariție. Conștientizarea și sensibilitatea spectatorilor față de viața vegetală și animală afectată de producția de artă este în creștere și poate fi de fapt un factor în materialele pe care un artist alege să le folosească.

(Damien Hirst Room la ARKEN Gallery, Ishøj, Danemarca)

Damien Hirst (n. 1965, Anglia) și-a început cariera la sfârșitul anilor 1980 asociat cu Young British Artists (YBA). Hirst, împreună cu alții din grup, era cunoscut pentru subiectele și abordările sale controversate în arta sa. O mare parte din arta sa de la acea vreme și până în prezent s-a preocupat de spiritualitate – Hirst a fost crescut catolic – și de moarte ca sfârșit și început, o graniță și un portal. Unul dintre motivele la care a revenit de-a lungul carierei este fluturele. Cu ciclul său de viață transformator, de la ou la omidă la crisalidă la adult, fluturele servește pentru Hirst ca „declanșator universal”. Adică, simbolismul asociat cu ciclul de viață al fluturelui, legat de grecii antici de psihicul, sau sufletul, de către primii creștini de înviere și de mulți până în prezent, de inocență și libertate, este atât de adânc încorporat în conștiința umană încât iese automat în mintea privitorului. În arta sa, acele asociații sunt fundația pe care Hirst se bazează.

Hirst și-a început experimentele cu fluturi în 1991, când a creat o instalație și o expoziție dublă, In and Out of Love (White Paintings and Live Butterflies) și In and Out of Love (Butterfly Paintings and Ashtrays). Ambele conțineau fluturi vii care au fost menționați că și au murit pe parcursul expoziției de cinci săptămâni. Prima sa expoziție personală, In and Out of Love, a pregătit scena pentru cariera lui Hirst și reputația de artist care se confruntă cu definițiile artei și provoacă spectatorul să explice modul în care arta ne ajută să ne confruntăm cu granițele și intersecțiile dintre viață și moarte, rațiune și credință, speranță și disperare.

Atingând interesele sale pentru religie și știință, inclusiv lepidopterie, studiul fluturilor, Hirst face adesea referințe biblice în titlurile operelor sale de artă și imită aspecte din modul în care fluturii au fost afișați în mod tradițional în compozițiile sale. A început seria Kaleidoscope în 2001, nu folosind fluturi întregi vii sau morți, ci folosind doar aripile acestora, simbolizând pentru el o separare de urâțenia și neplăcutul inevitabil al vieții – corpul păros al fluturelui – pentru a păstra doar frumusețea trecătoare a aripilor și asocierile lor cu trecerea rapidă a timpului. Kingdom of the Father este o lucrare ulterioară a seriei, care datează din 2007. Titlul, elementele compoziționale și forma generală a operei mixte sunt direct legate de absorbția artistului cu religia: aici, ca și în cazul unui număr de lucrări din seria Kaleidoscope, lucrarea arată ca un vitraliu găsit în catedralele gotice care l-au fascinat pe Hirst în copilărie.

În ciuda efectului splendid al culorilor lor vii, al compozițiilor energizate și al strălucirii irizate, unii privitori obiectează asupra materialelor pe care le folosește Hirst: frumusețea și luminozitatea provin din mii de fluturi uciși, astfel încât aripile lor să poată fi folosite în lucrarea sa. În 2012, Tate Modern din Londra a montat o retrospectivă a artei lui Hirst, prima expoziție majoră din Anglia care trece în revistă opera din întreaga sa carieră. Instalația sa din 1991, In and Out of Love, a fost recreată ca parte a spectacolului. Unii critici și activiști pentru drepturile animalelor au depus plângeri cu privire la cei aproximativ 9.000 de fluturi care au murit pe parcursul evenimentului de douăzeci și trei de săptămâni. De exemplu, un purtător de cuvânt al Societății Regale pentru Prevenirea Cruzimii față de Animale (RSPCA) a declarat: „Ar fi un protest național dacă expoziția ar implica orice alt animal, cum ar fi un câine. Doar pentru că sunt fluturi, asta nu înseamnă că nu merită să fie tratați cu bunătate.” Tate Modern a emis o declarație conform căreia fluturii au „provenit din case de fluturi reputate din Marea Britanie”. Ei au apărat, de asemenea, utilizarea lor ca parte integrantă a artei lui Hirst, afirmând că „temele vieții și morții, precum și frumusețea și groaza sunt evidențiate, dualități care predomină în cea mai mare parte a operei artistului”.

În esență, muzeul, împreună cu multe alte persoane și instituții de-a lungul carierei lui Hirst, a recunoscut plângerile, dar a acceptat acțiunile artistului ca o parte acceptabilă a procesului său creativ și a stabilit că intențiile sale artistice au o importanță mai mare decât orice problemă. de moralitate ridicată. Pur și simplu, fluturii erau mijloacele pentru un scop superior, opera lui artistică.

Sursa: Sachant, Pamela; Blood, Peggy; LeMieux, Jeffery; and Tekippe, Rita, “Introduction to Art: Design, Context, and Meaning” (2016). Fine Arts Open Textbooks. 3. https://oer.galileo.usg.edu/arts-textbooks/3, licența CC BY-SA 4.0. Traducere și adaptare Nicolae Sfetcu