(Fântâna originală de Marcel Duchamp, 1917, fotografiată de Alfred Stieglitz la 291 după expoziția Societății Artiștilor Independenți din 1917. Stieglitz a folosit fundalul The Warriors de Marsden Hartley pentru a fotografia urina. Eticheta de intrare în expoziție poate fi văzută clar.)
Disputele privind clasificarea sau nu a lucrărilor de artă sunt denumite dispute clasificatorii despre artă. Disputele clasificatorii din secolul XX au inclus picturi cubiste și impresioniste, Fântâna lui Duchamp, filme, imitații superlative de bancnote, artă conceptuală și jocuri video. Filozoful David Novitz a susținut că dezacordul cu privire la definiția artei constituie rareori inima problemei. Mai degrabă, „preocupările și interesele pasionale pe care oamenii le investesc în viața lor socială” sunt „la fel de mult o parte din toate disputele clasificatorii despre artă”. Potrivit lui Novitz, disputele clasificatorii sunt mai adesea dispute despre valorile societății și încotro încearcă societatea să meargă decât despre teoria propriu-zisă. De exemplu, când Daily Mail a criticat opera lui Hirst și Emin, argumentând „De 1.000 de ani arta a fost una dintre marile noastre forțe civilizatoare. Astăzi, oile beate și paturile murdare amenință să ne facă barbari pe toți” nu avansează o definiție sau teorie despre artă, ci pune la îndoială valoarea operei lui Hirst și Emin. În 1998, Arthur Danto, a sugerat un experiment de gândire care arată că „statutul unui artefact ca operă de artă rezultă din ideile pe care i le aplică o cultură, decât din calitățile sale fizice sau perceptibile inerente. Interpretarea culturală (o teorie a artei de un fel ) este, prin urmare, constitutiv al artei unui obiect”.
Anti-arta este o etichetă pentru artă care contestă în mod intenționat parametrii și valorile stabilite ale artei; este un termen asociat cu dadaismul și atribuit lui Marcel Duchamp chiar înainte de primul război mondial, când făcea artă din obiecte găsite. Unul dintre acestea, Fântâna (1917), un urinar obișnuit, a obținut o proeminență și o influență considerabilă asupra artei. Anti-arta este o caracteristică a operei Situaționistului Internațional, mișcării de artă lo-fi Mail și a tinerilor artiști britanici, deși este o formă încă respinsă de către stuckiști, care se descriu ca anti-anti-artă.
Arhitectura este adesea inclusă ca una dintre artele vizuale; cu toate acestea, la fel ca artele decorative sau publicitatea, implică crearea de obiecte în care considerentele practice de utilizare sunt esențiale într-un mod în care acestea nu sunt de obicei într-un tablou, de exemplu.
Judecata de valoare
(Morminte aboriginale în bușteni goi. National Gallery, Canberra, Australia. Sursa: Fir0002/Flagstaffotos, )
Oarecum în raport cu cele de mai sus, cuvântul artă este folosit și pentru a aplica judecăți de valoare, ca în astfel de expresii precum „acea mâncare a fost o operă de artă” (bucătarul este un artist) sau „arta înșelăciunii”, ( este lăudat nivelul înalt de îndemânare al înșelătorului). Această utilizare a cuvântului este o măsură a înaltei calități și valorii ridicate care oferă termenului aroma sa de subiectivitate. A face judecăți de valoare necesită o bază pentru critici. La cel mai simplu nivel, o modalitate de a determina dacă impactul obiectului asupra simțurilor îndeplinește criteriile pentru a fi considerat artă este dacă este perceput ca atrăgător sau respingător. Deși percepția este întotdeauna colorată de experiență și este în mod necesar subiectivă, se înțelege în mod obișnuit că ceea ce nu este într-un fel satisfăcător estetic nu poate fi artă. Cu toate acestea, arta „bună” nu este întotdeauna atractivă din punct de vedere estetic pentru majoritatea spectatorilor. Cu alte cuvinte, motivația principală a unui artist nu trebuie să fie urmărirea esteticului. De asemenea, arta înfățișează adesea imagini teribile realizate din motive sociale, morale sau care provoacă gândirea. De exemplu, tabloul lui Francisco Goya înfățișând atacurile armate spaniole din 3 mai 1808 este o imagine grafică a unei echipe de trăgători care execută mai mulți civili care se roagă. Totuși, în același timp, imagini oribile demonstrează abilitatea artistică a lui Goya în compoziție și execuție și scoate în evidență crimele sociale și politice. Astfel, dezbaterea continuă cu privire la modul de satisfacție estetică, dacă este cazul, este necesară pentru a defini „arta”.
Asumarea de noi valori sau rebeliunea împotriva noțiunilor acceptate a ceea ce este superior din punct de vedere estetic nu trebuie să apară concomitent cu o abandonare completă a urmăririi a ceea ce este estetic atrăgător. Într-adevăr, inversul este adesea adevărat, că revizuirea a ceea ce este conceput în mod popular ca fiind atrăgător din punct de vedere estetic permite o revigorare a sensibilității estetice și o nouă apreciere pentru standardele artei în sine. Nenumărate școli și-au propus propriile căi de definire a calității, dar toate par să fie de acord în cel puțin un punct: odată ce alegerile lor estetice sunt acceptate, valoarea operei de artă este determinată de capacitatea sa de a transcende limitele mediului ales să atingă o anumită coardă universală prin raritatea deprinderii artistului sau prin reflectarea exactă a acestuia în ceea ce se numește zeitgeist. Arta este deseori destinată să apeleze la și să se conecteze cu emoția umană. Poate stârni sentimente estetice sau morale și poate fi înțeleasă ca o modalitate de comunicare a acestor sentimente. Artiștii exprimă ceva astfel încât publicul lor să fie trezit într-o oarecare măsură, dar nu trebuie să facă acest lucru în mod conștient. Arta poate fi considerată o explorare a condiției umane; adică ce înseamnă să fii om. Prin extindere, Emily L. Spratt a susținut că dezvoltarea inteligenței artificiale, în special în ceea ce privește utilizările sale cu imagini, necesită o reevaluare a teoriei estetice din istoria artei astăzi și o reconsiderare a limitelor creativității umane.
Lasă un răspuns