Ce este arta?

Pentru a explora un subiect, trebuie mai întâi să-l definim. Definirea artei se dovedește însă evazivă. Poate că ați auzit spunând (sau chiar ați spus-o singur) că „ar putea fi artă, dar nu este artă”, ceea ce înseamnă „s-ar putea să nu știu cum să o definesc, dar o știu când o văd”.

Oriunde ne uităm, vedem imagini menite să ne atragă atenția, inclusiv imagini cu dorință, imagini cu putere, imagini religioase, imagini menite să trezească amintiri și imagini menite să ne manipuleze apetitul. Dar sunt ele artă?

Unele limbi nu au un cuvânt separat pentru artă. În aceste culturi, obiectele tind să aibă un scop utilitar, dar deseori includ în designul lor intenția de a încânta, de a portretiza un statut special sau de a comemora un eveniment sau ritual important. Astfel, deși obiectele nu sunt considerate artă, ele au funcții artistice.

Ideea de artă a progresat din preistoria umană până în zilele noastre. Modificările aduse definiției artei de-a lungul timpului pot fi văzute ca încercări de a rezolva problemele cu definițiile anterioare. Grecii antici au văzut scopul artei vizuale ca o copiere sau mimesis. Teoreticienii artei din secolul al XIX-lea au promovat ideea că arta este comunicare: ea produce sentimente în privitor. La începutul secolului al XX-lea, ideea formei semnificative, calitatea împărtășită de obiectele plăcute din punct de vedere estetic, a fost propusă ca definiție a artei. Astăzi, mulți artiști și gânditori sunt de acord cu teoria instituțională a artei, care schimbă atenția de la opera de artă în sine la cine are puterea de a decide ce este și ce nu este artă. Deși această progresie a definițiilor artei nu este exhaustivă, este instructivă.

(Zeuxis recunoscând înfrângerea: „Am înșelat păsările, dar Parhassios l-a înșelat pe Zeuxis”. Artist: Joachim von Sandrart; gravură de Johann Jakob von Sandrart. Credit: Fae/Wikimedia Commons, Domeniu public)

Mimesis

Definiția greacă antică a artei ca mimesis, sau imitație a lumii reale, apare în mitul lui Zeuxis și Parhassios, pictori rivali din Grecia antică la sfârșitul secolului al V-lea î.e.n., care au concurat pentru titlul de cel mai mare artist. (Figura 1.2) Zeuxis a pictat un castron de struguri care era atât de real, încât păsările au coborât să ciugulească imaginea fructelor. Parhassios nu a fost impresionat de această realizare.

Când i-a venit rândul să cadă opera lui Parhassios, Zeuxis, la rândul său, a cerut ca cortina de peste pictură să fie trasă, astfel încât să poată vedea mai clar opera rivalului său. Parhassios a fost declarat învingător pentru că cortina în sine era pictura și, în timp ce Zeuxis a păcălit păsările cu lucrarea sa, Parhassios a păcălit o ființă umană gânditoare – o ispravă mult mai dificilă.

Grecii antici au simțit că scopul artistului vizual era să copieze experiența vizuală. Această abordare apare în realismul sculpturii și ceramicii grecești antice. Trebuie să remarcăm cu tristețe că, din cauza acțiunii timpului și a vremii, nu există astăzi picturi ale artiștilor greci antici. Putem să presupunem doar calitatea lor pe baza poveștilor precum cea despre Zeuxis și Parhassios, abilitatea evidentă în sculptura greacă antică și în desene care supraviețuiesc pe ceramica greacă antică.

(Stânga: Lupoaica; Dreapta: Gotic. Artist: Jackson Pollock.)

Această definiție a artei ca o copiere a realității are totuși o problemă. Jackson Pollock (1912-1956, SUA), un lider al școlii din New York din anii 1950, nu a copiat în mod intenționat obiecte existente în arta sa. (Figura 1.3) În timp ce pictau aceste lucrări, Pollock și colegii săi artiști au evitat în mod conștient să facă semne sau pasaje care semănau cu obiecte recunoscute. Ei au reușit să realizeze opere de artă care nu copiau nimic, demonstrând astfel că viziunea greacă antică asupra artei ca mimesis – simplă copiere – nu definește suficient arta.

Comunicare

O încercare ulterioară de definire a artei vine de la autorul rus din secolul al XIX-lea Lev Tolstoi. Tolstoi a scris despre multe subiecte și este autorul marelui roman Război și pace (1869). A fost și un teoretician al artei. El a propus că arta este comunicarea sentimentelor, afirmând: „Arta este o activitate umană constând în aceasta, că un om în mod conștient, prin intermediul anumitor semne exterioare, transmite altora sentimentele prin care a trăit și că alții sunt infectați de aceste sentimente și, de asemenea, le trăiește.” (Leo Tolstoy, What is Art? And Essays on Art, trans. Aylmer Maude (London: Oxford University Press, 1932), 123)

Această definiție nu reușește deoarece este imposibil de confirmat că sentimentele artistului au fost transmise cu succes unei alte persoane. Mai mult, să presupunem că un artist a creat o operă de artă pe care nimeni altcineva nu a văzut-o vreodată. Întrucât nu a fost comunicat niciun sentiment prin ea, ar fi o operă de artă? Lucrarea nu a „transmis altora” absolut nimic pentru că nu a fost văzută niciodată. Prin urmare, ar eșua ca artă conform definiției lui Tolstoi.

Forma semnificativă

Pentru a aborda aceste limitări ale definițiilor existente ale artei, în 1913 criticul de artă englez Clive Bell a propus că arta este o formă semnificativă sau „calitatea care ne aduce plăcere estetică”. Bell a declarat: „Pentru a aprecia o operă de artă, nu trebuie să aducem cu noi decât un simț al formei și al culorii.” (Clive Bell, “Art and Significant Form,” în Art (New York: Frederick A. Stokes Company, 1913), 2) În opinia lui Bell, termenul „formă” înseamnă pur și simplu linie, formă, masă, precum și culoare. Forma semnificativă este colecția acelor elemente care se ridică la nivelul de conștientizare și vă oferă o plăcere vizibilă în frumusețea ei. Din păcate, estetica, plăcerea în frumusețea și aprecierea artei, sunt imposibil de măsurat sau definit în mod fiabil. Ceea ce aduce plăcere estetică unei persoane poate să nu afecteze pe alta. Plăcerea estetică există doar în privitor, nu în obiect. Astfel, forma semnificativă este pur subiectivă. În timp ce Clive Bell a avansat dezbaterea despre artă, îndepărtând-o de la necesitatea unei reprezentări stricte, definiția sa nu ne apropie de înțelegerea a ceea ce se califică sau nu drept obiect de artă.

Lumea artei

O definiție a artei larg răspândită astăzi a fost promovată pentru prima dată în anii 1960 de filozofii americani George Dickie și Arthur Danto și este numită teoria instituțională a artei sau teoria „lumea artei”. În cea mai simplă versiune a acestei teorii, arta este un obiect sau un set de condiții care a fost desemnat drept artă de către o „persoană sau persoane care acționează în numele lumii artei”, iar lumea artei este un „câmp complex de forțe” care determină ce este și nu este artă. (George Dickie, Art and the Aesthetic: An Institutional Analysis (Ithaca, NY: Cornell University Press, 1974), 464.) Din păcate, această definiție nu ne duce mai departe, deoarece nu este deloc despre artă! În schimb, este vorba despre cine are puterea de a defini arta, care este o problemă politică, nu una estetică.

Sursa: Sachant, Pamela; Blood, Peggy; LeMieux, Jeffery; and Tekippe, Rita, „Introduction to Art: Design, Context, and Meaning” (2016). Fine Arts Open Textbooks. 3. https://oer.galileo.usg.edu/arts-textbooks/3, licența CC BY-SA 4.0. Traducere și adaptare Nicolae Sfetcu