Expresionismul în artă

Alegerile făcute pentru a se îndepărta de naturalism pot reflecta atât cultura în general, cât și problemele cu care se preocupă artiștii în timp ce caută să exprime idei și/sau sentimente ale momentului. Expresia a fost căutată în multe scopuri legate de gândire, credință, impuls emoțional și orice preocupare umană care ar putea determina crearea unei articulații artistice, în diversele sale forme și medii. Adesea, însă, ideea de expresionism în artă este folosită mai restrâns pentru a defini ideea de a renunța la o măsură de naturalism în favoarea conținutului emoțional, subliniind modul în care cultura și artistul au simțit subiectul. Acest lucru poate fi folosit în Occident sau în Orient.

Figura 4.36 | Marea Zeiță Durga ucigând demonul bivol. Credit: Wikimedia Commons. Domeniu public

Figura 4.37 | Pieta Liebieghaus. Credit: FA2010/Wikimedia Commons. Licență: Domeniu Public

Exemplele sunt numeroase în ilustrațiile narațiunilor, cum ar fi povestea mitologică indiană a zeiței hinduse Durga, care ucide dramatic Demonul Bivol, folosind arme împrumutate de la zeii masculini. (Figura 4.36) O astfel de poveste se pretează bine unei interpretări dinamice și expresive în artă, la fel ca și ideea devoțională prezentată în lucrările germane numite andachts-bilder, imagini devoționale folosite pentru a ajuta la rugăciune, așa cum se vede în Figura 4.37. Aceste lucrări au fost create atât la scară mică, cât și la scară mare pentru a provoca contemplarea suferințelor Fecioarei Maria și ale lui Iisus Hristos, așa cum au fost inspirate de poveștile Patimilor lui Hristos. Astfel de lucrări au fost inspirate în continuare de relația dintre suferințele figurilor sfinte și efectele fizice ale Ciumei Negre, care s-a răspândit din Asia până în Europa în secolul al XIV-lea.

O mișcare mai specifică a expresionismului în Germania a apărut la începutul secolului al XX-lea pentru a da formă artistică reacțiilor emoționale și societale la tulburările cauzate de tulburările politice și culturale. Reflectând dorința de reformă socială care a făcut parte din Realism, precum și lunga istorie a expresivității în arta germană, grupul a fost numit Noua Obiectivitate (Neue Sachlichkeit). În urma Primului Război Mondial (1914-1918), acești artiști au prezentat aspecte dure și pătrunzătoare ale efectelor devastării războiului asupra societății germane în anii 1920 și ale tulburărilor sociale care au urmat odată cu apariția naziștilor și a celui de-al Treilea Reich în anii 1930. Artiști precum Max Beckmann (1844-1950, Germania, Olanda, SUA) și George Grosz (1893-1959, Germania) și-au folosit arta pentru a critica dur și cinic ceea ce vedeau în societatea din jurul lor, acasă și în întreaga Europă.

În Societatea pariziană, Beckmann a arătat un grup de oameni de afaceri, aristocrați și intelectuali (mulți dintre ei emigraseră la Paris pentru a fugi de condițiile de acasă) adunați pentru ceea ce ar fi trebuit să fie o seară de socializare plăcută, dar care era în schimb una evident pătrunsă de un sentiment de presimțire și tristețe. (Societatea pariziană, Max Breckmann: http://www.guggenheim.org/new-york/collections/collection-online/artwork/503) Realismul de aici arată lipsa de conexiune dintre participanții la petrecere, chiar în măsura în care aceștia aparent se evită sau se ignoră unii pe alții, înghesuiți cum sunt într-un spațiu inconfortabil. Beckmann însuși, cândva un artist celebru în Germania, a devenit un obiect de cenzură și ridiculizare în timpul regimului nazist, iar opera sa artistică este adesea plină de un sentiment de indispoziție a epocii.

Grosz, de asemenea disprețuit de naziști, a avut tendința de a folosi mult mai specific realismul său critic, conturând condamnări deosebit de dure la adresa instituțiilor militare și guvernamentale. De exemplu, în Eroul, Grosz a folosit realismul grafic pentru a-și transmite punctul de vedere despre tratamentul antieroic al indivizilor – în special al veteranilor Primului Război Mondial – pe care îi vedea în jurul său. (Eroul, George Grosz: http://www.moma.org/collection_ge/object.php?object_id=72585) În opera acestor doi artiști, putem observa că abordarea realistă se îndepărtează uneori de naturalismul puternic. Artiștii par să fi ales în mod deliberat să-și facă interpretările oarecum abstracte și nerafinate – chiar rudimentare – de dragul accentului expresiv.

Expresionismul abstract

Am examinat diferențele dintre arta reprezentațională și cea abstractă atunci când am studiat explorarea vacilor de către Van Doesburg și opera altor artiști care au manipulat forma prin reducerea componentelor sale vizuale sau prin modificarea aspectului acesteia, astfel încât forma să nu se conformeze modului în care ar putea apărea în natură. Acești artiști au ales să limiteze gradul în care ar continua investigarea abstracției, optând pentru a evita pierderea referințelor care erau mai mult sau mai puțin clar recognoscibile.

La mijlocul secolului al XX-lea, cu sediul în New York City, o mișcare numită Expresionism Abstract a inclus lucrări de desen, pictură, gravură și sculptură axate pe proprietățile fizice ale mediului folosit, spre deosebire de narațiunea picturală, deși nu toate erau lipsite de referință la figură sau la lumea fenomenală. În lucrarea Fără titlu din 1957 a lui Clyfford Still (1901-1980, SUA), vedem cum imaginile ne pot aminti de o crăpătură zimțată într-un peisaj montan, dar fără o reprezentare definitivă, iar artistul însuși a negat existența unui astfel de subiect. (PH-971, Clyfford Still: https://www.sfmoma.org/artwork/75.35)

Alți artiști asociați cu expresionismul abstract au folosit mai puțin simțul reprezentării în lucrările lor. În această categorie au fost incluși Jackson Pollock și Mark Rothko (1903-1970, Letonia, a locuit în SUA). (Adâncul, Jackson Pollock: http://www.wikiart.org/en/jackson-pollock/the-deep-1953; Nr. 61 (Rugină și Albastru), Mark Rothko: https://en.wikipedia.org/wiki/File:No_61_Mark_Rothko.jpg) Artiștii expresioniști abstracți au fost mai preocupați de procesul artistic și de mijloacele formale decât de crearea de imagini narative. Examinând o mică secțiune transversală a lucrărilor artiștilor expresioniști abstracți, putem observa că s-ar putea să nu fie potrivit, la urma urmei, să numim aceasta o categorie stilistică, deoarece nu există cu adevărat un flux de asemănări vizuale între ei; mai degrabă, ele sunt caracterizate atât prin libertatea lor față de constrângerile regulilor stilistice, cât și prin lipsa unor trăsături vizuale unificatoare.

Sursa: Sachant, Pamela; Blood, Peggy; LeMieux, Jeffery; and Tekippe, Rita, „Introduction to Art: Design, Context, and Meaning” (2016). Fine Arts Open Textbooks. 3. https://oer.galileo.usg.edu/arts-textbooks/3, licența CC BY-SA 4.0. Traducere și adaptare Nicolae Sfetcu